XVIII MIĘDZYNARODOWY FESTIWAL TAŃCA ZAWIROWANIA 2022
Fundacja Scena Współczesna, Teatr Tańca Zawirowania oraz Centrum Teatru i Tańca w Warszawie zapraszają do udziału w XVIII edycji Międzynarodowego Festiwalu Tańca Zawirowania, który w tym roku odbędzie się w dwóch odsłonach – czerwcowej oraz sierpniowej. Międzynarodowy Festiwal Tańca Zawirowania powstał w 2005 roku z inicjatywy Włodzimierza Kaczkowskiego i Elwiry Piorun. Początkowo celem inicjatywy była konfrontacja zespołów z Europy Środkowej, wymiana doświadczeń i różnorodnych technik pracy w dziedzinie tańca. Z czasem impreza zaczęła się rozrastać, a jej gośćmi byli już nie tylko artyści europejscy – w Warszawie gościli twórcy z Azji, Ameryki Północnej i Południowej. W tym roku festiwal kończy 18 lat – co będzie zarówno pretekstem do hucznego świętowania urodzin, jak i do podsumowań i wspomnień.
22.06.2022 / 19:00
B'cause Dance Company "Kepler 22b"
CHOREOGRAFIA: Bartek Woszczyński
KONSULTACJE DRAMATURGICZNE: Patryk Dariusz Gacki
TANCERZE: Anna Banasik, Michał Góral, Dorota Koprowska, Dominika Stróżewska, Bartek Woszczyński
MUZYKA: ATMO Music Productions
REŻYSERIA ŚWIATŁA: Artur Wytrykus
PROJEKT KOSTIUMÓW: Joanna Woszczyńska
PROJEKT MATERIAŁÓW GRAFICZNYCH: Renata Orzeszek | Bez szablonu
B’CAUSE DANCE COMPANY jest teatrem tańca działającym przy Fundacji B'cause. Naszą misją jest tworzenie spektakli
na najwyższym tanecznym i artystycznym poziomie, poruszając tematy, które są aktualne, ważne i warte
skomentowania. Nie wierzymy, że zmienimy świat jedynie tańcząc, ale wierzymy, że poprzez nasze spektakle
zainspirujemy innych do tej zmiany.
23.06.2022 / 19:00
TEATR TAŃCA ZAWIROWANIA "OPOWIEDZ O PRZYSZŁOŚCI
CHOREOGRAFIA: Elwira Piorun
SCENARIUSZ: Włodzimierz Kaczkowski
OPRACOWANIE WIZUALNE: Julia Ruszczyńska
ZDJĘCIA: Piotr Szymański
ANIMACJA: Dominika Struzik
OBSADA: Michał Góral, Anna Banasik
„Człowiek wyruszył na spotkanie innych światów, innych cywilizacji, nie poznawszy do końca własnych zakamarków, ślepych dróg, studni, zabarykadowanych, ciemnych drzwi.” Przedstawienie „Opowiedz nam o przyszłości” jest inspirowane twórczością Lema, a w szczególności jego powieścią „Solaris”. Zajmuje się bohaterem, który skierowany na obcą planetę mierzy się samotnie ze swoimi wspomnieniami, lękami i traumami. Postawiony na przeciwko oceanu, który materializuje jego wizje, musi sam określić, na ile chce im się przeciwstawić, a na ile ulec. Wspaniała metafora ludzkiej egzystencji opisana przez Lema staje się obecnie jeszcze bardziej aktualna w czasach, kiedy technologie próbują manipulować umysłami ludzkimi. Dodatkową wartością przedstawienia jest ruch i taniec stanowiący podstawowy środek przekazu. Dzięki temu historia nabiera głębszego znaczenia. Wszystko to dzieje się to w otoczeniu filmowych realizacji, które już dawno stały się częścią naszego życia. Czy to jest przyszłość czy już teraźniejszość i czy na pewno musi dziać się na obcej planecie?
24.06.2022 / 19:00
ONDŘEJ HOLBA "AND WHO IS USELESS NOW?"
REŻYSERIA: Ondřej Holba
WYKONAWCA, WSPÓŁAUTOR: Florent Golfier
REŻYSER OŚWIETLENIA: Martin Hamouz
ONDŘEJ HOLBA / reżyser, aktor, pedagog. Ukończył wydział pantomimy w praskim HAMU i specjalizuje się w oryginalnych przedstawieniach teatru ruchu, współczesnym cyrku i nauczaniu sztuki cyrkowej. Od 2010 roku jest aktorem teatru Circus Sacra. W ramach autorskich pokazów występował na wielu festiwalach, m.in. Letní Letná, Cirk UFF, Cirkopolis, Mime Fest, Kremnické Gagy i wielu innych. Współpracuje z artystami z całego świata. W swojej pracy skupia się na współczesnym cyrku i oryginalnym teatrze oraz promocji tych międzynarodowych trendów w Czechach. We współpracy z fińskim reżyserem i klaunem Herne Väätäinenem stworzył autorskie widowiska zatytułowane "Martwa natura" i "And Who Is Useless Now"? Obecnie bada zastosowanie robotyki i sztucznej inteligencji w teatralnych pokazach klaunów. Jego prace inspirowane są filozoficznymi podejściami do sztucznej inteligencji (np. A. Turing, M. Minsky itp.), sztuk pięknych, muzyki i wykorzystania światła, równocześnie staram się połączyć te dziedziny. W ostatnich latach wyreżyserował swoje autorskie spektakle zatytułowane "Kukułka pozostała jednak człowiekiem" (Kukačka přesto zůstal člověkem, 2017) i "Pasożyt" (Parazit, 2019). W 2019 roku zakończył swój projekt flagowy zatytułowany "And Who Is Useless Now” który został wybrany do europejskich projektów Circolaborative Tools i Circus Next+ oraz festiwalu Czech Dance Platform.
25.06.2022
DIDIER THERON DANCE COMPANY „LA GRANDE PHRASE”
Kruche i humorystyczne, w tych ciałach o niepewnych ruchach, rozdętych formach, postacie kierują się ku nieprzewidywalnym i dziwnym odkryciom. Nasze wątpliwości i pewności są kwestionowane przez trwałą drwinę, która z kolei tworzy nową formę tańca. Doświadczanie deformacji połączonej z ruchem prowadzi do nowych obszarów percepcji; w tych wrażliwych sytuacjach rodzą się emocje.
NADMUCHANI SPRAWDZAJĄ
TERYTORIUM NADMUCHANI poruszają się w swoim rytmie, badają terytorium i zawłaszczają je. Czwórka performerów porusza się w przestrzeni i zatrzymuje się w określonych miejscach. Tam poruszają się w różnych sytuacjach, rozpierzchają się i przegrupowują, przeciw sobie, nad i pod sobą. Inwentaryzują przestrzenie wewnętrzne i zewnętrzne, a swoimi ruchami eksplorują architekturę, przedmioty, przeszkody, puste przestrzenie w swoim najbliższym otoczeniu. W ten sposób zawłaszczają świat.
CHOREOGRAFIA I KIEROWNICTWO ARTYSTYCZNE: Didier Theron
MUZYKA: Eric Satie et plus
KOSTIUMY: Koncepcja - Donald Becker & Didier Théron Réalisation - Laurence Alquier
PRZY UDZIALE: Constant-Julien Dourville, Thomas Esnoult-Martinelli, David Bernardo
26.06.2022 / 19:00
TEATR TAŃCA ZAWIROWANIA "PRZESYCONE MGŁĄ"
„Świat spowity mgłą... a w nim my, ludzie. Dlaczego nie możemy żyć w spokoju?”
"Przesycone mgłą" to przedstawienie o niepewnej przyszłości młodych ludzi. O ich szukaniu własnej drogi w świecie, który z dnia na dzień stał się nieprzewidywalny i pozbawiony perspektyw. W miejsce optymistycznego spełniania marzeń i ambicji w otwartym świecie, przyszłość wydaje się niepewna i pełna zagrożeń. Jak długo to potrwa? Czy można mieć jeszcze jakieś plany i marzenia w dzisiejszym świecie? Jak rozproszyć mgłę niepewności, która wydaje się nas tak ciasno otaczać? To poszukiwanie drogi wyjścia z tego stanu niepewności jest tematem spektaklu.
CHOREOGRAFIA: Elwira Piorun
OBSADA: Małgorzata Nowak, Amanda Nabiałczyk, Krzysztof Łuczak, Maria Szczerbiak, Bartłomiej Kamiński
27.06.2022 / 19:00
DESIGNARE MOVEMENT & PYDANCE
"THERE WAS NO ROOM FOR FOOD" & "FLINT" & "TRAVELING"
DESIGNARE MOVEMENT "TRAVELING"
DESIGNARE MOVEMENT jest azjatyckim projektem tanecznym. Designare Movement został założony w 2010 r. przez Ho Sik Yu, dyrektora artystycznego i choreografa. „Designare” pochodzi od hiszpańskiego słowa „Design”, które oznacza wyłamanie się z konwencji i stworzenie w jej miejsce nowego i kreatywnego ruchu. Opiera się na wrażliwości, ideologii i filozofii antropocentryzmu oraz na pracy nad słowami wypowiadanymi w imieniu naszego życia podczas wykonywania zadań. Obecnie grupa tworzy nowy paradygmat tańca współczesnego, współpracując ze znakomitymi tancerzami z Azji, a także odchodzi od istniejących form i regularnych obserwacji rozpadów i połączeń.
PYDANCE jest niezależną grupą taneczną z Daegu. „P” oznacza ciało „fizyczne” (z ang. physical), „Y” oznacza „dziedziniec” (z ang. yard), co tworzy „dziedziniec ciał” (z ang. body yard). Wykorzystując głównie ciało, które tworzy taniec, grupa podczas przygotowywania występów poszukuje nowych elementów ruchu i łączy różne gatunki tańca, opierając się na filozofii każdego z członków zespołu.
29.06.2022 / 19:00
ARTGARAGE & EMMA CIANCHI "SILENCE - MUSIC OF LIFE"
Wykonawcy i realizatorzy dźwięku łączą się i stają się częścią jednego procesu twórczego zawieszonego pomiędzy występem na żywo a instalacją. Choreografia tworzy pejzaż dźwiękowy, który oddziałuje i zaskakuje, ruchy spotykają się z zawsze różnymi dźwiękami. Cisza - Muzyka życia to spektakl, który poprzez ruch w danej chwili, poprzez ciało, które samo staje się instrumentem, nadaje godności hałasowi w tle.
Pejzaż dźwiękowy składa się z otaczających zewnętrznych dźwięków uchwyconych w momencie działania. Te odgłosy, dźwięki ciszy, są modyfikowane i zmieniane poprzez wsteczne algorytmiczne przetwarzanie sygnału przy pomocy dynamicznego i interaktywnego systemu, który obejmuje dźwięk, środowisko, ciało i ruch w natychmiastowym procesie komponowania realizowanym na żywo. Dlatego Cisza jest spektaklem choreograficzno-dźwiękowym, składającym się za każdym razem z aktu wyjątkowego i niepowtarzalnego.
KONCEPT I CHOREOGRAFIA: Emma Cianchi
WYKONANIE: Maria Anzivino, Ginevra Cecere, Marcella Martusciello
OPRACOWANIE DŹWIĘKOWE: Dario Casillo
30.06.2022 / 19:00
CÍA. DANIEL ABREU "LA DESNUDEZ"
Sztuka jest poetycką propozycją, jak pokochać samego siebie. Dwie postacie na scenie wskazują na ideę biegunowości i podróż od śmierci do miłości. Muzyka towarzyszy muzykowi głębokim brzmieniem wiatru w metalowych rurach. La Desnudez (Nagość) jest odpowiedzią na to miejsce intymności, w którym nie można już znaleźć odpowiedzi. Piękno La Desnudez tkwi w tym, co tam jest i co się dzieje. Czasami może to być wzniosłość pieszczących dłoni, wymieniających ciepło i pot, być może szukających zakazanej miłości. Może to być też akt miłosny i jego podtrzymywanie. Miłość jest budowana i niszczona, jak w akcie oddychania. Taniec opowiada o tym, co dzieje się w każdym z wszechświatów; próbuje pożreć jak najwięcej, by z powrotem zwrócić coś nowego. I jest o dwojgu ludziach, którzy ulegają potrzebie rozciągania więzów, podczas gdy tak naprawdę chcą je utrzymać na tyle luźno, by móc je szybko rozwiązać. La Desnudez to akt śmierci, czyli wydech, wyrzucenie z siebie wszystkiego, by zacząć coś nowego. Jednocześnie w tym dziele chodzi o konstruowanie czegoś w iluzji, że jest to ostateczne. Spektakl można rozumieć od tyłu do przodu, gdzie pojawia się podróż i poczucie sentymentalnego przywiązania. Przechodzi od czerni do bieli, od przestrzeni zamkniętej do otwartej.
REŻYSERIA, CHOREOGRAFIA I SCENOGRAFIA: Daniel Abreu
WYKONANIE: Dácil González, Daniel Abreu
MUZYKA NA ŻYWO: Hugo Portas
WYKORZYSTANA MUZYKA: Tarquinio Merula, Claudio Monteverdi, Gabriel Fauré i Henry Purcell
PROJEKT OŚWIETLENIA: Irene Cantero
RZEŹBA: David Benito
KOSTIUMY: Angeles Marín
KOORDYNACJA TECHNICZNA: David Benito
ASYSTENT PRODUKCJI: Teresa Rivera
MENEDŻER: Elena Santonja · Esmanagement
KOPRODUCENCI: Teatros del Canal y Festival Danzatac.
WSPÓŁPRACOWNICY: Auditorio de Tenerife, Centro de Danza, Kanał i Teatro Victoria de Teneryfie
10.08.2022 / 19:00 i 23.08.2022
TEATR TAŃCA ZAWIROWANIA & ARTGARAGE "WĘŻOWE BOGINIE"
WĘŻOWE BOGINIE to projekt angażujący artystów z Grecji, Włoch oraz z Polski. Przedsięwzięcie powstaje kolejno podczas rezydencji w Chanii w ramach International Contemporary Dance Festival "Dance Days Chania" oraz w Puzzuolli w ramach festiwalu Antichi Scenari i w Warszawie. W Chanii oprócz tancerek Teatru Tańca ZAWIROWANIA w projekcie biorą udział tancerze z Grecji. Natomiast w Puzzuolli do projektu dołączą tancerzy z Włoch. Prezentacja efektów współpracy międzynarodowej odbędzie się w Warszawie dwukrotnie, 12 sierpnia powtórka występu we Włoszech przedstawiona przez polskich tancerzy i 23 sierpnia we współpracy z tancerzami greckimi efekty rezydencji w Chanii. Festiwal Antichi Scenari odbywa się w antycznych miejscach Pozzuoli i Neapolu, co daje dodatkową wartość projektowi. Przedstawienie odwołuje się do ceramicznej figurki kobiety z dwoma wężami w rękach znalezionej na Krecie, a pochodzącej z czasów kultury minojskiej. Niewiele o niej wiadomo, przypuszcza się, że była świadectwem kultu albo pozostałością matriarchalnego społeczeństwa. W każdym razie jest ważnym świadectwem roli kobiet w cywilizacji minojskiej. Do tego właśnie odwołuje się projekt powstający w sieci współpracy z krajami śródziemnomorskimi. Projekt jest odwołaniem się do wspólnej tradycji europejskiej opartej na podkreśleniu roli kobiet w krajach tego obszaru i Polski z tradycjami bogiń słowiańskich. Czerpiąc z tradycji zespół powstały z greckich, polskich i wloskich tancerzy stworzy widowisko mogące być prezentowane w różnego rodzaju zabytkowych czy miejskich plenerach. "Wężowe boginie" mają być głosem współczesnych kobiet odwołującym się do tradycji tego kręgu kulturowego.
20.08.2022 / 19:00
CULLBERG "THE LISTENERS" by Alma Söderberg
„The Listeners” jest wynikiem pracy Almy Söderberg z dziewięciorgiem tancerzy z Cullberg. Wykorzystując głos,
rytm i ruch, badają oni relację między słuchaniem a poruszaniem się. Sam spektakl można by określić jako koncert,
jako że w dużej mierze zmusza nas do słuchania. Niemniej jednak instrumentami są tutaj przestrzeń i ciała. Taniec
staje się narzędziem opisującym to, co słyszymy, a dźwięki stają się narzędziem opisującym to, co widzimy.
Dźwięki i ruchy wiążą się i przeplatają, dzięki czemu wzmacniają się wzajemnie i doprowadzają do sytuacji, w
której zarówno słuchacz-wykonawca, jak i słuchacz-widz skupiają swoją uwagę. Spektakl ten jest więc nie tylko o
artystach, ale i o widzach. Zadaniem artysty jest zauważyć i zwrócić uwagę, umiejętnie słuchać i opisywać.
Alma Söderberg podkreśla: „Jednym z powodów, dla których chcę współpracować z Cullberg, są umiejętności
tamtejszych tancerzy”.
Dodatkowo jest to polirytmiczna kompozycja, która dodaje praktyce słuchania kolejną warstwę dzieloną przez
artystów i widzów. Spektakl przedstawia możliwości tego, co można usłyszeć, bo przecież każdy może usłyszeć
coś innego. Poszczególne warstwy rytmiczne dają nam bowiem możliwość skupienia się na różnych elementach.
Jeśli skupiamy się na jednym dźwięku lub ruchu, brzmi on lub wygląda w określony sposób. Jeśli natomiast
przeniesiemy naszą uwagę na coś innego, zmienia się ciężar, zmienia się rytm, a ruch nabiera innej jakości. Gama
ruchów i dźwięków tworzy widowisko audiowizualne, które możemy odkrywać wyłącznie za pomocą percepcji.
Alma Söderberg to szwedzka choreografka urodzona w Malmö. Uczyła się w Szwedzkiej Królewskiej Szkole
Baletowej, a następnie wyjechała do Sewilli, by w Escuela de Danza de Matilde Coral uczyć się flamenco. Od
tamtej pory szkoliła się w Sztokholmie, Paryżu, Madrycie, Amsterdamie i Brukseli. Alma studiowała choreografię na
SNDO w Amsterdamie, którą ukończyła w 2011 roku. Od kilku lat mieszka w Brukseli. Swoją twórczość wystawiała
w wielu miejscach i podczas wielu ważnych festiwali w Europie. Charakterystyczne dla jej twórczości jest łączenie
tańca, muzyki i głosu. Dźwięk i ruchu nieustannie przeplatają się ze sobą, a ich wyraz jest ciągłym obiektem badań
Almy.
W 2016 roku Alma Söderberg otrzymała stypendium Birgit Cullberg Grant z ramienia The Swedish Arts Grants
Committee. Uzasadniono to w następujący sposób: „Alma Söderberg wyróżnia się na tle szwedzkich choreografów.
Kroczy własną ścieżką – jej twórczości nie można przypisać do konkretnego gatunku. Łączy w sobie formy
koncertu, performance’u i tańca. Niektórzy nazywają Almę ludzką maszyną do dźwięku i tańca. Jej występy solowe
określane są jako dźwięk i ruch w rytmicznej symbiozie, z korzeniami we flamenco oraz elementami szwedzkiej
muzyki folkowej. Alma Söderberg nie podąża za tłumem. Tworzy ponad panującą ideologią i estetyką. Podstawą jej
twórczości jest komunikacja między widownią a jej ciałem. Za pomocą ruchu, rytmu, muzyki, dźwięku i języka
odkrywa nowe obszary i przekracza granice tego, czym może być spektakl taneczny. Działa w konkretnym czasie,
ale ponad obowiązującymi konwencjami. Ma na swoim koncie wiele dzieł solowych, a także karierę
międzynarodową. Niech stypendium Birgit Cullberg Grant będzie wyrazem uznania dla tej wyjątkowej artystki ruchu
i dźwięku”.
Cullberg to wiodący zespół tańca współczesnego ze Szwecji. Ma on istotny wkład w działania na arenie tanecznej i
choreograficznej, a swoje dzieła prezentuje na całym świecie. Cullberg współpracuje z wieloma choreografami i
artystami z całego świata. Obecnie w skład zespołu wchodzi 17 tancerzy, prawie każdy innej narodowości. Do
projektów nieustannie zapraszani są też goście. Od samego początku cechą charakterystyczną Cullberg było
wykorzystanie indywidualnych jakości każdego tancerza. Dzięki współpracy z choreografami i reżyserami, którzy
zajmują się tańcem współczesnym, Cullberg ma niebywały wpływ na rozwój sztuk scenicznych i tańca jako formy
sztuki. Cullberg działa w zakresie różnych projektów i produkcji, organizuje warsztaty, konferencje, seminaria czy
wykłady. Dyrektorami Cullberg są Gabriel Smeets i Stina Dahlström. Cullberg założony został w 1967 roku przez
Birgit Cullberg przy wsparciu Riksteatern, narodowego teatru objazdowego Szwecji.
CHOREOGRAFIA: Alma Söderberg
DŹWIĘK: Hendrik Willekens
KOSTIUMY: Behnaz Aram
OŚWIETLENIE: Pol Matthé
DRAMATURGIA: Igor Dobricic
KONSULTACJE ARTYSTYCZNE: Anja Röttgerkamp
ŚWIATOWA PREMIERA: Norrlandsoperan, Umeå, Szwecja, 24 stycznia 2020
PRODUKCJA: Cullberg
KOPRODUKCJA: Norrlandsoperan (Umeå) PACT Zollverein (Essen) i Hellerau (Drezno)
21.08.2022 / 19:00
FERENC FEHÉR "HAKUNA MATATA"
Hakuna Matata:
To znaczy nie martw się, bądź szczęśliwy.
Jest takie miejsce, gdzie ludzie znają tylko smak szczęścia.
Wszyscy tutaj uwielbiają tańczyć, tańczyć i jeszcze raz tańczyć. Trwa to przez cały dzień.
W starożytnych kulturach taniec Haki Maki był tańcem inspirowanym zwierzętami, bardzo złożonym i niezwykle
dynamiczny.
W tym tańcu każdy może przywołać swoje wewnętrzne ja, stanąć z nim do walki lub zaprosić do tańca.
.Hakuna Matata!
TANIEC: Karolina Paczkowska, Ferenc Fehér
KREACJA: Karolina Paczkowska, Ferenc Fehér, Ildikó Mándy, Kuba Pewiński
MUZYKA: Ferenc Fehér
KONSULTACJE ARTYSTYCZNE: Ildikó Mándy
REŻYSERIA OŚWIETLENIA: Ildikó Mándy
CHOREOGRAFIA: Ferenc Fehér
WSPARCIE: Farra and Pipi, B.B.
22 SIERPNIA 2022
PREZENTACJA VR / MACHOL SHALEM DANCE HOUSE
MACHOL SHALEM DANCE HOUSE działa od 2002 roku i jest platformą wspierającą niezależnych twórców tańca w Jerozolimie. Centrum zostało założone w celu rozwijania pracy w dziedzinie współczesnego, niezależnego tańca w Jerozolimie i centrum profesjonalnej, międzynarodowej przestrzeni kulturalnej, która postrzega taniec jako środek mediacji pomiędzy społecznościami. MACHOL SHALEM DANCE HOUSE jest jednym z sześciu centrów tańca oficjalnie uznanych przez Ministerstwo Kultury w Izraelu. Centrum służy dziesiątkom jerozolimskich artystów rocznie i wspiera grupy i zespoły taneczne prowadzone przez artystów religijnych i ultraortodoksyjnych. MASH zajmuje się produkcją przedstawień, organizacją spotkań artystów, prezentacją spektakli w przestrzeni publicznej, prowadzeniem warsztatów tanecznych. MACHOL SHALEM DANCE HOUSE jest również organizatorem Międzynarodowego Tygodnia Tańca, w ramach którego odbywa się międzynarodowy konkurs choreograficzny. Centrum tworzy koprodukcje i wymiany artystyczne z zaprzyjaźnionymi twórcami z całego świata.
Pobierz program PDF